En mi larga (larguísima) lista de películas pendientes estaba esta joya del technicolor esperando su turno. Y hace un par de semanas tuve una semana temática en donde vi películas que eran biográficas sobre algún bailarín (Valentino, Isadora Duncan) o que involucraran el baile de alguna manera (la peli de hoy y Salomé).
Conocía escenas, secuencias de este film porque siempre es mencionado en rankings o documentales sobre cine. Y tiene su porqué. Este film es una joya cinematográfica. Algunos dirán que no tanto, pero yo creo que entiendo por qué se la considera como tal.
Pasemos a la ficha técnica para presentarla y luego me iré por las ramas con mi delírio acostumbrado.
Título: The Red Shoes/Las Zapatillas Rojas
Año: 1948
País: UK
Género: Drama, Romance, Musical
Duración: 2hs 15min
Director(es): Michael Powell, Emeric Pressburger
Guionista(s): Emeric Pressburger
Música: Brian Easdale
Basado en: The Red Shoes de Hans Christian Andersen
Elenco: Moira Shearer, Anton Walbrook, Marius Gorin, Robert Helpmann, Albert Bassermann, Léonide Massine, Esmond Knight, Austin Trevor, Irene Browne, Hay Petrie, Eric Berry, Derek Elphinstone, Ludmilla Tchérina.
Sinopsis así nomás: Victoria es una joven bailarina que solo quiere bailar pero dos tipos la van a poner a prueba.
La atracción principal de este film es su color y las secuencias de baile. Estamos hablando de una era maravillosa donde las producciones involucraban mucha escenografía, vestuario y principalmente, una explosión de colores. Muchos colores. Colores fuertes. Esa era la gracia del Technicolor. Y creo que tengo que hablar un rato de eso porque es muy importante.
Qué era/es el Technicolor?
El Technicolor es un proceso de cine en color inventado en 1916 que tuvo su pico de popularidad entre los años 20's y 50's. Se caracterizó por la saturación de colores que era algo super mega novedoso para la época. Entre los films más famosos que usaron este proceso de color están The Wizard of Oz (1939), The Adventures of Robin Hood (1938), Gone With the Wind (1939), Blue Lagoon (1949), Niagara (1953) y muchos más. También se usó en animación en clásicos como Snow White and the Seven Dwarfs (1937), Gulliver's Travels (1939), Pinocchio (1940), Fantasia (1940).
Les resumo un poco cómo funcionaba (debería hacer un post solamente para hablar de la técnica).
Fueron cuatro "procesos" que fueron evolucionando desde su creación. El primero (de 1916) consistía de un sistema de dos colores, rojo y verde. Se colocaba un prisma detrás de la lente de la cámara y se exponía dos fotogramas consecutivos en un solo negativo blanco y negro. Uno se lo ponía bajo un filtro rojo y el otro bajo uno verde. Al tener que hacer esto al mismo tiempo, se tenía que filmar al doble de velocidad. Y se necesitaba un proyector especial que tenía dos aperturas que tenían el filtro rojo y verde. Cada una con su propia lente y con un prisma que debía ser ajustado para alinear ambas imágenes.
El segundo proceso (de 1922) mantenía el proceso de someter dos negativos B&N a los filtros rojo y verde. Pero esta vez el negativo se usaba para producir una película en color sustractivo. El color ya estaba en la cinta (mediante un pequeño proceso químico y pegando las dos cintas una arriba de la otra) y eso evitaba tener que pasar por el prisma de los proyectores anteriores. Lo que significaba menos trabajo para el proyeccionista.
Y por último tenemos el tercer proceso (de 1928) en donde se reemplazó la técnica de dos cintas pegadas por una creada por tinta embebida. La cámara era idéntica a la anterior, con el proceso de dos cintas con los dos filtros. Pero en el laboratorio los fotogramas del filtro rojo se imprimían en una película de gelatina, llamada "película matriz", para crear una filmación roja y el resto se imprimía en una segunda tira similar pero en verde. Luego se exponían los fotogramas a una luz ultravioleta en donde lo necesitara y la gelatina se endurecía en esos lugares. Luego se lavaban las áreas no expuestas y quedaba como un relieve donde estaba la gelatina endurecida. Ambas cintas se sumergían en baños de tintes de colores complementarios. La roja se tenía de verde y la verde de rojo. Y cuanto más dura la gelatina, más se absorbía el tinte. Y para la impresión final, ambas matrices se ponían en contacto con una tira de película emulsionada (conocida como "película en blanco") y la tinta se transfería a la nueva copia. Ese proceso se desarrolló casi al mismo tiempo que el de sonido y se "imprimía" en esa película emulsionada antes del proceso de color.
Para ese momento se creía que la industria iba a pasar al color en su totalidad, pero vino la gran depresión de 1929 y los planes se frenaron un poco. Pero fue en esos años que se desarrolló el cuarto proceso. Para esta nueva versión se buscaba dejar el rojo y verde para ampliar el rango de colores. Para eso la cámara exponía tres tiras B&N. La luz pasaba por el prisma y se dividía en dos. Uno pasaba por el filtro verde, bloqueando la luz roja y azul, creando una película pancromática (sensible a todo el espectro luminoso) y el otro pasaba a través de un filtro magenta que bloqueaba la luz verde y se imprimían en un "bipack" de dos películas con sus lados emulsionados presionados juntos. La película frontal era sensible solamente a la luz azul. Su emulsión tenía una capa superficial de tinta naranja rojizo que evitaba que la luz azul llegara a la película pancromática. Los tres negativos luego se usaban para producir tres matrices de impresión, que a su vez se usaban para imprimir imágenes de tinta superpuestas en tres colores (cyan, magenta y amarillo) en una sola tira de película. Creando así la cinta final, lista para la proyección.
Por qué se dejó de usar el Technicolor?
La respuesta quizás la adivinen luego de leer la ensalada que les escribí recién.
Para poder llevar a cabo todo eso se necesitaban cámaras especiales las cuales eran caras, pesadas y enormes. Y los estudios no podían solventar el gasto de tener sus propias cámaras y las alquilaban (hoy en día sigue pasando eso de alquilar cámaras) junto a los técnicos que las operaban. A todo eso se tenía que contratar a un "Supervisor de Color" que controlaba los vestuarios, decorados y maquillaje para que todo fuese dentro de las limitaciones del sistema.
Como el proceso de dividir la imagen reducía la luz que llegaba a la cinta, había que aumentar la cantidad de luz en los sets. Lo que convertía a los sets en verdaderos infiernos con temperaturas altísimas. Se sabe que en The Wizard of Oz la temperatura en set era superior a los 38ºC. Y había que cuidar a los actores y equipo de producción. Y todo eso elevaba los costos de producción por las nubes.
En 1950 llegó el Eastmancolor en cinta de 35mm y eso fue el comienzo del fin para el Technicolor. La última película estadounidense estrenada con Technicolor fue The Godfather II en 1974.
Explicado el temita del Technicolor, pasemos a la película!
(Cuidado que voy a hablar con SPOILERS)
Este film británico de 1948 fue escrito, dirigido y producido por un grupo llamado The Archers. Este equipo estaba formado por Michael Powell y Emeric Pressburger. y esta fue la décima colaboración del dúo. La historia lleva el nombre del cuento del danés Hans Christian Andersen de 1845. El cuento narra la historia de una niña pobre llamada Karen que recibe unos zapatos rojos de regalo. Ésos zapatos estaban encantados y hacían que bailara sin parar.
En la película lo que se ve no es una adaptación del cuento, pero se ve el ballet inspirado en el cuento de hadas. Como una referencia, una conexión con la protagonista porque hay una obsesión, un maleficio, una necesidad de bailar que la lleva a su final trágico a través de esos zapatos rojos. Pero en realidad, la inspiración para la trama del film fue (aparentemente) la relación entre el ruso Sergüei Diáguilev (empresario y fundador de Ballets Rusos) y la bailarina británica Diana Gould.
Es una historia de pasiones, celos, obsesiones, amor y perfeccionismo. Un combo ideal para el desastre y para grandes números musicales.
Victoria Page es una joven bailarina que es "descubierta" por Boris Lermontov, un empresario dueño de una compañía de ballet muy famosa. Obviamente, se enamora de ella. Pero su amor no es correspondido porque ella se enamora del compositor y director de la orquesta, Julian Craster. Ambos tironean de ella. "Si te vas no vas a volver a bailar" y "Si te quedás, lo nuestro se termina". Seguir a su amor o seguir bailando. Los zapatos rojos terminan siendo una maldición.
La trama es simple, en si no tiene nada de especial. Pero lo que hace trascender al film son las secuencias de ballet. Principalmente la de los zapatos rojos. Los sets, el vestuario, la coreografía, el maquillaje. Los colores sobresalen, es todo surrealista, como un sueño. Es bello, te atrapa. Te envuelve.
Para el cast eligieron gente de renombre con el mundo del ballet del momento. Moira Shearer fue elegida para el protagónico (fue su debut en la pantalla grande) junto a Anton Walbrook y Marius Goring como las otras dos puntas del triángulo argumental.
Las coreografías estuvieron a cargo de Robert Helpmann, que también hace del primer bailarín de la compañía. Pero para el rol del zapatero, fue el mismo Léonide Massine quien creó su propia coreografía. La música fue compuesta por Brian Easdale, quien también dirigió las otras obras que suenan en el film.
El film fue recibido con ovaciones por parte de la prensa, la crítica y el público. Recibió cinco nominaciones a los Oscars, ganó como Mejor Banda Sonora Original y Mejor Dirección Artística. Fue un éxito en taquilla y fue uno de los mejores estrenos de ese año. En UK fue la primer película en pasar los 5 millones de dólares en taquilla.
Pero hubo críticas negativas por parte de los críticos de ballet. La señalaron como demasiado fantasiosa, impresionista. No les gustó la clara influencia del expresionismo alemán en toda la secuencia del ballet. Y no puedo estar más en contra de eso! Si hay algo que amo es el expresionismo alemán en el cine.
El film gira en torno a la premisa de morir por el arte, del arte por el que vale la pena morir. El débil equilibrio entre la vida artística y la privada. Y el cómo lidiar con ambas puede ser imposible.
Los tres protagonistas tienen sus pasiones bien marcadas. Son perfeccionistas y ponen todo de su energía para que la obra sea un rotundo éxito. Pero sus vidas privadas son lo que rompen con ese equilibrio. Sus egoísmos, sus celos. Principalmente el de los dos hombres. Porque ella está dispuesta a aceptar a ambos porque lo que quiere en verdad es bailar. Pero los hombres se limitan al "Es él o yo". El arte deja de importar y ella se vuelve un objeto a poseer. Ella ve su vida, su mundo colapsar porque aquellos que ama no pueden llegar a un punto intermedio. Y su debilidad la lleva al fin... Por culpa de los otros dos.
En esa secuencia final ella tiene puestos los zapatos rojos. Y es un detalle muy particular porque en el ballet, ella se los pone recién en el segundo número. Los zapatos pasan a ser un símbolo de su final. Como en la historia, ella pide que le quiten los zapatos momentos antes de morir. La decisión de que tenga puestos los zapatos fue deliberada por los directores. Como una premonición del final, de la maldición.
La secuencia del ballet dura 17 minutos. Si me preguntaban cuánto pensaba yo que duraba, les podría haber dicho que eran unos minutos, no mas de 8. Así de fascinante es. Son 17 minutos de película que fluyen con total normalidad. Todo es tan bello, tan de ensueño, que los minutos no pesan en absoluto. Y el paralelismo entre la joven Karen y Vicky son algo bien claro de ver. Todo pasa a ser un anuncio al desastre que veremos más adelante. Como si fuese una profecía autocumplida.
Por momentos ella ve a su amante y en otros al empresario. La realidad y la ficción se funden como si el ballet fuese directamente su propia vida. Es un despliegue de metáforas. No vemos el ballet que el público está presenciando desde sus butacas. Vemos el ballet a través de Vicky. Pasamos a su subconsciente. La realidad es puesta en duda. Entramos al campo de la mente.
Para lograr toda esa secuencia fue vital la edición. Normalmente las secuencias de baile consistían en planos fijos, estáticos. Acá se puso a prueba la creatividad del editor, del director de cámara y del director de arte. Los primeros planos, los efectos especiales. Todo en modo experimental y amplificado por el Technicolor que le aportó una explosión de colores.
Otra cuestión que sigue generando debates es el género. La cuestión "géneros cinematográficos" puede generar pesadillas a los estudiantes (si lo sabré). Y este film genera un debate claro. Principalmente podemos decir que es un musical, una historia romántica y altamente dramática. Pero cuando se analiza un poco más, se encuentran rasgos claros de terror. Más que nada por la secuencia del ballet, porque al romper la barrera de la realidad y meterse de pleno en el subconsciente, y el hecho de que la maldición de los zapatos rojos termine dominando el destino de Vicky, son un elemento terrorífico. Es terror psicológico puro.
Décadas después se estrenó The Black Swan (2010) dirigida por Darren Aronofsky, en donde nos metemos en una historia con rasgos similares. Pero con la diferencia que Nina presenta un cuadro de esquizofrenia (los delirios y alucinaciones) y un trastorno obsesivo-compulsivo agravado por un cuadro severo de anorexia nerviosa. Pero ambas pierden ese estado de realidad que termina arrastrandolas a la desgracia. Ambas son tironeadas por dos presencias fuertes en sus vidas. Y ellas solo quieren bailar y ser perfectas al hacerlo.
Pero volviendo a lo del género, el film rompe con lo convencional. Tiene secuencias musicales y podemos decir que son la espina dorsal de la historia. Pero es innegable la presencia del terror psicológico. Y yo creo que eso es posible gracias al expresionismo alemán. En esa temática del género que consiste en desafiar la realidad, en cuestionarla. En meternos en la mente de Vicky en vez de ver como simples espectadores. Nos hace partícipes como si no existiese la cuarta pared.
Ese paquete, para mi, es lo que hace trascender al film. Lo que lo hace resaltar por encima, no solo de sus pares de la época, sino a lo largo de las décadas.
Antes de dar un cierre a este post les dejo las curiosidades.
Curiosidades:
-El famosísimo cineasta Martin Scorsese es un ultra mega fanático de este film. No solo la recomienda en cada oportunidad que se le presenta, sino que es dueño de una amplia colección de memorabilia. Tiene los zapatos rojos originales usados por Moira Shearer, una copia del guión autografiada por ambos directores (Michael Powell y Emeric Pressburger), tiene un par de storyboards que le fueron regalados por Charlie Watts (baterista de los Rolling Stones) y muchos pósters del film de distintos lugares del mundo. Toda esa colección la pueden ver en los extras que vienen en la edición de la Criterion Collection.
-La secuencia del ballet tomó 6 semanas en hacerse. Contó con 120 pinturas hechas por Hein Heckroth, quien fue el primer artista plástico en ser contratado como productor de diseño en un film.
-El bailarín de papel de diario se hizo con cortes de papel y un manejo muy delicado y preciso de cables. Como una marioneta.
-Cuando la gente se quejó del final oscuro, Hein Heckroth le recordó a todos como termina el cuento de Christian Andersen. Con la amputación de los pies de la bailarina para terminar con la maldición.
-Cuando Ludovic Kennedy (actor y escritor británico) vio a Moira en la pantalla, supo que se iba a casar con ella. Y lo hizo dos años después. Estuvieron casados hasta el fallecimiento de ella en 2006.
-Gene Kelly vio el film y quedó fascinado. La vio una y otra vez e insistió a los ejecutivos de la MGM para que hagan lo mismo. Fue gracias a eso que logró la luz verde para hacer An American in Paris (1951).
-Moira no la pasó muy bien en el rodaje. En su primer día sufrió de una quemadura de Sol que le dejó ampollas en la espalda. Luego se lesionó el cuello y sufrió un rasguño que le generó un absceso. Y sufrió bastante con los arneses que le ponían.
-Powell estuvo casi un año para convencer a Moira de tomar el papel. Y luego del film, en los siguientes años, Moira expresó que la experiencia fue un calvario para ella. Dijo que Powell era frío y distante con ella y que apenas si le dio direcciones. Las horas en set eran prolongadas y pasaban horas y horas bailando sobre un suelo de concreto que les dejaba a todos mucho dolor en las piernas.
-En la secuencia del ballet se usaron unos 53 bailarines.
-Los creadores del Technicolor (Herbert y Natalie Kalmus) usaron este film como ejemplo principal de la técnica. Pero no todo fue un lecho de rosas porque Natalie se quejó que de no seguían las reglas requeridas y que no tuvo apoyo de los directores para corregir a Jack Cardiff.
-Tengo que mencionar a Scorsese una vez más porque es gracias a él que existe una versión remasterizada del film. La llevó a cabo con su fundación Martin Scorsese's Film Fundación y con la UCLA Film & Television Archive. La versión remasterizada fue presentada en Cannes en el año 2009. Fue proyectada en muchos cines y luego lanzada en DVD y Blu-Ray.
-Jack Cardiff (cinematógrafo) nunca había hecho secuencias de ballet y fue a ver muchos ballets para educarse. Y quedó encantado.
-El ballet final que se lleva a cabo sin Vicky es algo que se hizo en la vida real cuando la bailarina Anna Pavlova murió de manera inesperada antes de la función. El ballet se llevó a cabo sin ella y su presencia fue marcada por un foco de luz.
Hacía mucho tiempo que tenía pendiente esta joya. Por una razón o por otra seguía pateando la cita.
Es una historia romántica bastante básica, pero sus condimentos la convierten en algo superior. Lo maravilloso del cómo se relata la historia y la técnica cinematográfica que se unen para entregar arte en estado puro.
Tiene un gran cast, un equipo técnico y artístico impecables. Y vence al paso del tiempo porque no envejece, perdura.
Sostiene un status de "icónica" porque lo merece. Cada segundo, cada plano. Todo justifica ese status.
Y por eso le quería dedicar unas palabras.
Y seguramente no le haga justicia porque bueno... A veces las palabras no son suficientes.
Pero si se puede generar intriga en otros que no la vieron. Si una persona la mira, me considero hecha.
En fin, no quiero que esto sea muy largo porque vivimos en épocas de poca atención cognitiva.
Tengo otros "Najash Mira" en proceso y nos vamos a estar leyendo pronto.
Hasta ese entonces me despido.
Con amor, Niñita.
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